RÉMI BOURQUIN - UNE REPRÉSENTATION DU MONDE

 Rémi Bourquin est un peintre français (Paris 1961) qui expose pour la première fois au Portugal, après avoir commencé ses études en 1979 à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Peu de temps après son entrée à l'École, il a commencé à participer à des expositions et à partir de 1993 ses peintures sont apparues dans la galerie parisienne Gerald Piltzer. Au fil de son parcours, la bourse qu'il a obtenue de la "Casa Velasquez", à Madrid (1986), mérite également d'être mentionnée.

Bourquin est un peintre d'images quelque peu visionnaires, qui a minutieusement construit son travail à travers un ensemble d'énoncés, des séries qui évoquent une attitude très personnalisée envers l'exercice et le goût de la peinture. C'est un artiste qui s'intéresse à la représentation d'un monde qui ne peut être que celle de ses visions personnelles d'une matrice fortement poétique, expectative et analytique. Ses peintures établissent une relation fictive entre la réalité vécue et la réalité imaginée, à travers un chemin intime où les sentiments semblent gardés. Ce sont des œuvres où les paysages sont suspendus dans l'introspection, livrés à des luminosités impératives, fragments de la vie quotidienne qui survivent à la classification fortuite des images.

Entre 1988 et 1993, le peintre a réalisé quatre séries qui peuvent être regroupées comme suit: "Pavillons et jardins", "Cages et zoos", "Phares et plages", "Objets et souvenirs". Bien qu'elles représentent quelque chose de concret, on pourrait presque dire qu'elles sont palpables, ces peintures permettent une abstraction extrême, dans presque toutes il y a un vide, une immensité au-delà de la peinture, un rapport à quelqu'un ou quelque chose qui est absent. Sa dimension poétique provient d'une réorganisation du visible, d'un silence autour des choses, d'une figuration apparemment pure. Une observation peu attentive montre qu'aucune de ces peintures n'est aussi simple que cela puisse paraître. Justement, il n'y a rien ici immédiatement. Ceux qui regardent sont invités à s'attarder, peut-être à deviner, car derrière ce qui est immédiatement reconnaissable, il y a un mystère, le domaine de l'imaginaire le plus absolu, avec tout son pouvoir de séduction. L'enregistrement de ce tableau repose sur une vocation spécifique, à surmonter une sorte de «perfectionnisme» initial, mis au service d'un projet qui se questionne, consolide des paysages, des références, des éléments auxquels chaque tableau donne une autonomie, une spécificité significative, une idée ... Devant certains écrans, il peut sembler que le spectateur soit face à un rêve clair, à d'autres, devant un cadre, voire à la subjectivité diffuse de ce qui nous entoure et nous impressionne. La possibilité de déplacer (et décoder) dans l'espace physique de la toile, une maison, un objet, une sorte de ville environnante (?) Et nous-mêmes, place cette œuvre sur un plan interpellatif exigeant. C'est aussi un retour. D'un désir de retour aux prétextes et suggestions, évolution dans un champ mental et affinités électives: la peinture comme "fausse" mémoire, un héritage composé avec les plus grandes subtilités ...

"Mon seul plaisir est de voir la toile, et de ressentir que mon impression visuelle, globale ou partielle, se rapproche de plus en plus de mon impression visuelle face à la réalité », et à cette affirmation, Bourquin ajoute:« Ce réalisme n'est pas un hyperréalisme, car l'espace ainsi créé vient de derrière l'écran ". Malgré cet avertissement, il n'est pas possible d'exclure (comme cela a déjà été noté par certains critiques français) l'ascendant exercé sur le peintre de certaines toiles d'Edward Hopper. Une de ses photos précédentes correspond parfaitement à ce qui a été dit ci-dessus. À travers une grande fenêtre, devant un bureau vide et anonyme, quatre personnages concentrés et distants sont assis sur un banc dans ce qui semble être un atrium, ou une salle d'attente. Les tons bruns et gris enveloppent toute la surface dans une atmosphère curieuse. Ce peintre français, cependant, ne partage pas la vision sociale évidente dans les célèbres peintures de Hopper. On pourrait dire que l'aspect «critique sociale» est faible, mais par contre la solitude est dense et ne peut être vue en dehors d'un contexte, qui est, par définition, également sociologique.

La création de cette œuvre en série, qui peut être considérée comme l'exposition actuelle à la Galerie Nasoni, constituant déjà un nouvel ensemble de peintures, est le résultat d'un univers ordonné, où la réflexion sur la peinture est traitée à travers l'expressivité, la technique picturale, mais aussi l'élaboration de "collections". Les maisons, les jardins, les animaux dans leurs cages de zoo, les phares, les plages, les objets en feuilles devenus inutiles, et maintenant, les bateaux, les fragments bleus d'un ciel infini, tout cela fait partie d'un univers où l'expérience du réel a quelque chose de tragique. Dans chacune de ces "collections" il y a un "groove" de nostalgie. Ce peuvent être les couleurs douces et lumineuses, les maisons de plage fermées l'hiver, un chien triste à la porte d'une serre, des cabanes de pêcheurs au bord d'une rivière.

Pour Rémi Bourquin, le travail de la peinture est la conquête d'une autre dimension. Si, d'une part, il est vrai que de cette manière l'artiste s'inscrit dans une tradition, d'autre part il sait «que la perfection ressemble à la mort». D'une certaine manière, lorsqu'il assume la plénitude de sa vision du monde, il est conscient qu'il la représente avec l'imperfection la plus impersonnelle de quelqu'un qui cherche une raison. Pour cette raison, la réalité qui vous attire ne sera jamais un joli "décor".

Dans l'une des séries déjà évoquées, «les Cages et les Zoos», le peintre s'affaire à représenter l'espace clos, les animaux enfermés sont des éléments d'un théâtre imprégné d'une lumière zénithale. Une série de questions, de regards rendus, une gamme délicate du brun, l'opposition et la différence entre «l'humain» et «l'animal», font de ce tableau un plaisir discret et précis, une confrontation habile.

Dans leur propre organisation, chaque ensemble d'écrans établit des continuités chronologiques. Par exemple, la série d'animaux apparaît après la réalisation de tableaux où l'on peut voir des jardins à l'ambiance tropicale, une végétation dense, de larges horizons pour des instants prévus. La manière de construire les scènes évolue sur cette voie. Cette exposition partage un mélange d'objectivité et de réalisme avec l'ensemble de cette œuvre. Rémi Bourquin considère que sa peinture semble refléter le calme, mais en fait c'est «de la violence contenue» qui aide à déplacer les beaux objets, à déplacer les taches d'encre avec rigueur.  
 
Avec la série faisant référence aux phares, l'idée de désolation est reprise, en même temps que la valorisation poétique et symbolique d'une architecture bien déterminée, dans son rapport à la mer et au besoin d'orientation. Articulant la dérive et la référence, l'horizon avec la proximité du terrain, cette phase ouvre la voie à certaines des images présentées ici. Pour la radicalisation de la couleur, pour l'attente du paysage qui laisse peut-être une sensation d'aventure et une réunion d'eau, de ciel, de végétation.
 
Dans une appréciation de ces images, quelqu'un a remarqué que la mer constitue «le plus grand miroir du ciel et devient un ciel inversé, et cette eau, élément toujours en mouvement, doit être essayée pour la représenter sans donner une image morte». Dans les images ultérieures, c'est le ciel qui est projeté, animé par un désir absolu d'absorber toute la lumière. Établissant des contrastes, utilisant comme outils la précision descriptive et le traitement d'un graphique, ce travail vante une cohérence, recrée la matière de l'image.
 

 Dans un bref aperçu à travers la séquence des phares, un goût se développe pour le contraste entre la figure bien coupée et le fond, un coin de mur, des détails d'accès au bâtiment, la solidité de l'image, des nuances de vert entre les granuleux du sable, angles de vue, parfois plats où un mot: "ouest" prend de l'importance. A un autre moment de ce travail, les grands formats mettent en valeur des objets d'une collection personnelle, apparemment sans intérêt. Dans le cadre du dispositif plastique de Rémi Bourquin, les objets, qui peuvent être un bol en laiton ajouré, ou des «bibelots» qui renvoient à l'enfance, intègrent la dimension du vécu, le sens personnel se retrouve, une fois de plus, comme témoignage poétique. Ce «bibelot kitsch», comme le désignait Philippe Carteron dans une publication sur l'artiste, est l'un des aspects les plus stimulants de cette œuvre, dans une évocation / déplacement à la fois du thème et du sujet ironiques et réflexifs du tableau. Mais c'est aussi l'intrigue poétique qui sert de fond, de support et de conjecture à Rémi Bourquin, qui s'exprime dans cette exposition récente. La combinaison des objets, avec les fausses cartes postales, avec le cloître pathétique des animaux, ou les maisons taillées dans le paysage, fait partie de la sagesse de cette peinture, de son pouvoir évocateur.